[… ] Die Ausstellung [“Bodies of Ambivalence”, kuratiert von Sascia Bailer,] richtet den Blick bewusst nicht auf traditionelle Mutter-Kind-Bilder, sondern auf die Spuren und Leerstellen, die Fürsorgebeziehungen hinterlassen können – die Bisswunden des eigenen Kindes; die körperliche und emotionale Erfahrung des Stillens und die damit einhergehenden normierten Fixierungen auf den weiblichen Körper; die Erinnerung eines Kindes an häusliche Gewaltszenen; die scheinbare Unmöglichkeit der politischen Teilnahme aufgrund des Gebundenseins an den häuslichen Kontext; das Perpetuum Mobile des Kümmerns, das kein Abweichen zulässt – sowie die Abnabelungs – und Annährungsprozesse an die eigenen Eltern.

In der Skizzierung dieses Spannungsfeldes geht es nicht um eine Abwertung von Sorgebeziehungen, sondern um das Aufbrechen einer anhaltenden Romantisierung von dem Bild einer „guten Mutter“ – es geht um ein Aufbrechen, ein Zersplittern des Bildes, des Klischees, das nun – zerfallen in 1000 Teile – neue Perspektiven, neue Formen des Zusammensetzens ermöglicht und somit Umrisse von neuen Bildern, neuen Erzählungen skizziert. Denn es sind jene Momente, die fragil und brüchig erscheinen, die sich als Ausgangspunkt für künstlerische Auseinandersetzungen darbieten. So sind die ausgestellten Arbeiten auch jeweils Produkt dieser inneren aber auch gesellschaftlichen Aushandlungsprozesse: Wie kann künstlerisches Schaffen in seiner Gleichzeitigkeit von Sorgebeziehungen entstehen? Welche Form kann Kunst annehmen, welche Fragestellungen drängen sich dadurch auf? Was wird gesellschaftlich un/lesbar gemacht? [… ]

Ausstellungstext von Sascia Bailer

Bild 3 – rechts: „Schläfrige Schlangen“ von Yara Jacobs, am Boden: „Take-Care-Topf II“ von Katia Lina Sternel

Der klammergeheftete Appendix ergänzt die in der Ausstellung “Bodies of Ambivalence” großformatig präsentierten Fotografien.

24 Seiten mit 13 farbigen Abbildungen
Ringösenheftung
12 × 17 cm
Auflage: 30
Eigenpublikation

Mit Beiträgen von Henning Rogge, Annette Grotkamp, Marcel Große, Marcia Breuer, Sebastian Burdach und Simon Hehemann

Konzipiert von Annette Grotkamp und Marcia Breuer

Abbildungen (jeweils v.l.n.r.):
1.) Henning Rogge, Marcia Breuer, Sebastian Burdach, Henning Rogge, Simon Hehemann, Marcia Breuer, Marcel Große, Henning Rogge
2.) Marcia Breuer, Simon Hehemann, Marcel Große, Henning Rogge
3.) Sebastian Burdach, Marcia Breuer, Sebastian Burdach
4.) Marcia Breuer
5.) Henning Rogge, Marcia Breuer, Sebastian Burdach, Marcia Breuer, Henning Rogge, Simon Hehemann

Die Ausstellung „Vagabunden der Wissenschaft“ beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Wissenschaft und Kunst.
Sie verhandelt Ähnlichkeiten und Unterschiede wissenschaft­licher und künstlerischer Forschung, vergleicht Strategien und Abläufe und wendet sich im Besonderen auch den Ausprägungen wissenschaft­licher Präsentationsmodi zu.
Den Diskurs um das Label der „Artistic Research“ vernachlässigend wie aufbrechend, widmen sich die in der Ausstellung vorgestellten Ansätze der vertieften Anschauung und Beobachtung, der Unter­suchung und dem Vergleich, vermeintlichen Versuchs­anordnungen und der Verführungskraft systemati­scher Aufbereitung. Die beteiligten Künstler*innen verstehen sich als Forschende, als Sammler und Archivare, einer selbst auferlegten Systematik folgend, dabei jedoch offen für intuitive Sprünge und freimütige Assoziationen – sie bewegen sich mit intensiv-subjektivem Erkundungswillen in dem von ihnen gewählten Themenfeld, nuanciert den Übergang von Genauigkeit und Zufall hervorhebend oder auch verschleiernd. Zudem greifen sie Elemente wissenschaft­licher Methodik oder Rhetorik auf und spielen mittels wissenschaftlich anmutender Bildaufbauten und Präsentations­formen mit Elementen des kollektiven Bildgedächtnisses.
„Vagabunden der Wissenschaft“ widmet sich somit einerseits den klassischen Methoden künstlerischer Forschungsansätze wie dem Sammeln und Archivieren sowie verfeinerter Verfahrens- und Material­beobachtungen wie auch der Frage, welcher Erkenntnis­gewinn sich durch die Simulation wissenschaft­lichen Arbeitens und Präsentierens, den gezielten Einsatz von „Fake Facts“, vermitteln lässt.

Für die von Dagmar Rauwald kuratierte Ausstellung “All this justifies thinking of … Sketches” zusammengefügt: Schnelle Eindrücke, im Vorbeigehen/-fahren mit- und aufgenommen, und tiefer Haftendes, das immer wieder an die Oberfläche drängt.
Beobachtungen, Spekulationen, Fragen.
Dann, natürlich, das wohlige Reflektieren über mediale Zusammenhänge.

Gefüge aus 3 Zeichnungen (Bleistift und Ölkreidestift auf Papier, A4) und 9 Fotografien (Inkjet-Prints, je 12 × 9 cm)

Projektvorgaben „Erinnerung an die Gegenwärtigkeit“: die beteiligten Künstler*innen fertigten über die Sommermonate 2021 Fotografien im Stadtgebiet Hamburgs an, die im Rahmen des Hamburger Kultursommers später als Plakate an den Orten ihrer Entstehung wie auch an anderen Orten im öffentlichen Raum ausgestellt werden sollten (Projektkonzeption Carsten Rabe).

Kunst machen bedeutet immer, Umgang mit den Dingen pflegen. Zumal in der Fotografie erfordert es die Entscheidung: vorfinden oder eingreifen, inszenieren, herstellen?
Marcia Breuer, so scheint es, inszeniert in ihrer Serie “Hello.” Vorgefundenes. Sie arrangiert Alltagsgegenstände in einer privaten Wohnung zu spielerischen, merkwürdigen, vielleicht sogar abgründigen Situationen. Die im analogen Mittelformat aufgenommenen Bilder dokumentieren das. Mitunter zeugen diese Dokumente aber auch von einem Blick, der es denkbar scheinen lässt, dass diese Situationen da waren, etwa so: Ich betrete mein Wohnzimmer, und der Tisch verbindet als „Viadukt“ Sofa und Sessel. Mein Blick fällt durch die Tür ins Bad, und im Waschbecken ergießt sich ein „Wasserfall“. Die Titel der einzelnen Arbeiten verweisen in die Landschaft (“snow-covered mountain”) und darüber hinaus („Galaxie I“). Durch sie erhält die momentane Neuordnung der Dinge, wie sie das jeweilige Bild zeigt, eine konkrete, und dennoch assoziative Bedeutungsebene. Die Räume, durch die wir uns als Betrachter bewegen, sind offener, als zunächst vermutet. Also öffnet Breuer auch in der Ausstellung den Raum, wenn sie die Fotografie “Territories” auf einen übergroßen Bogen printet und den so an die Wand bringt, dass er, ganz Material, auf den Boden gleitet. Und mit dem Objekt “picturesque village”, eine Glocke auf einem Sockel, holt sie das auf den Fotos gezeigte Spiel exemplarisch und ganz real in die Ausstellung: “e.g.”. – Jost Schocke, 2015